El pictorialismo

El pictorialismo es una corriente fotográfica de pretensiones artísticas que se desarrolla a nivel mundial (aunque principalmente en Europa, Estados Unidos y Japón) entre finales de los años 1880 y el final de la primera guerra mundial. El nombre del movimiento deriva del término inglés picture (imagen, cuadro, pintura, fotografía) y no de paint (pintura), razón por la cual resulta erróneo hablar de fotografía pictórica o pictoricista, términos que vendrían a referirse a la fotografía academicista, corriente que sí que se encuentra muy relacionada con la pintura.

Planteamientos
Para el grupo de fotógrafos que lo conformaron, el pictorialismo supone hablar de una imagen más dentro de lo existente, de una imagen simple captada/separada de un mero registro de la realidad.
Surge como reacción a la fotografía de aficionados, considerada vulgar y nacida con la comercialización de la cámara fotográfica instantánea de Kodak, y se extiende rápidamente por todo el mundo. También se contrapone a la Fotografía academicista reivindicando los valores propios de la fotografía para la realización de obras de arte en plena igualdad con otras disciplinas artísticas (pintura, escultura, arquitectura). Es por ello que se renuncia a la imitación de la pintura.

Los fotógrafos del pictorialismo se definen como fotógrafos y artistas en la línea de las teorías del romanticismo propias del siglo XIX, destacando la sensibilidad e inspiración de los autores y otorgando un papel secundario a los conocimientos técnicos (tal y como hacía Julia Margaret Cameron).

Ideas y Técnicas
El pictorialismo supone una selección de los temas (Paisaje - Días nublados, de lluvia, de niebla,.... y todos aquellos en los que los agentes atmosféricos no permiten que las imágenes sean nítidas / Retrato - Se eligen principalmente figuras femeninas, e igualmente se busca esa borrosidad / Alegorías / Etc.).

Entre el tema seleccionado y la cámara se colocan filtros, pantallas y demás utensilios que impiden ver claramente. Igualmente recurren a la utilización de juegos de luces y sombras.
No se enfoca de forma deliberada para provocar un efecto similar a la pintura impresionista (es por eso que el pictorialismo es también conocido como fotografía impresionista).

También se actuaba en la fase de revelado y en la de positivado de la imagen. Se emplea papel especialmente adecuado para sus manipulaciones. Se añade carbón, bromóleo, goma bicromatada, u otros pigmentos a las emulsiones buscando hacer las fotografías similares al dibujo, grabado, etc.

La idea principal era la intención de buscar un resultado diferente al de las imágenes tradicionales y que además esto salte a la vista, lo cual resulta ser un valor añadido.

Comentario Personal:

Me parece interesante ya que se crea una interaccion entre la imagen y el fotografo, al momento de darle ese toque unico, el fotografo se toma su tiempo para dalre a la imagen vida, de forma que este termina siendo especial.

Esto al mismo tiempo le da un grado de dificultad mayor a la fotografia, incluyendo la reinvencion como metodo en la creacion de imagenes, haciendo que estas se vean como pinturas y no solo como imagen sobre papel.

Julia Margaret Cameron

Julia Margaret Cameron ( 11 de junio de 1815 - 26 de enero de 1879 ) fue una fotógrafa inglesa que se dedicó al retrato fotográfico de corte artístico, así como a la representación escenográfica de alegorías que la enmarcan en la corriente de la fotografía academicista.
Llegó a exponer en la Exposición Universal de 1870, y su obra fue reconocida póstumamente, junto a la de Lewis Carroll, gracias a su reivindicación por parte de los fotógrafos del pictorialismo, así como al apoyo del grupo literario de Bloomsbury y a su sobrina nieta Virginia Woolf.

La Literatura, el Renacimiento, la Pintura Pre-Rafaelíta y la Biblia influenciaron su obra. En una carta dirigida a su amigo Sir John Herschel; Cameron le explicó su intención de aliniar la fotografía con el arte, escribió: "mis aspiraciones son ennoblecer la fotografía y alzarla a la categoría de Arte, combinando la realidad con la poesía y la belleza ideal". Creía que la fotografía era la forma para resucitar el arte sacro, para los victorianos el arte era una técnica, el arte fino era expresión pero no necesariamente ético, pero el arte alto era el arte sacro.
Por su posición social y económica, Cameron pudo mantenerse fiel a sus principios esteticos con más tenacidad que otros colegas. Transformó en su casa de campo, el depósito de carbón en cuarto oscuro y el gallinero en estudio.

Cameron repetía las copias una y otra vez, hasta que se sentía satisfecha del resultado. Jamás retocaba o ampliaba sus negativos: sacaba copias de contacto de sus enormes placas húmedas. Trabajaba convertida en una ermitaña de su profesión, descuidada al vestir, sucia en su propio trabajo (sus negativos llevan manchas y huellas dactilares) y apasionada en sus creaciones.

Una de sus preocupaciones era realizar obras genuinas, captar la belleza ideal que emana del rostro de sus modelos. Sus retratos de primeros planos son en realidad primerísimos planos tal vez con una intención metafísica.

Comentario Persoal:

Los retraros de Cameron me parecen un tanto angelicales, como caidos del cielo, la mayoria despiertan ternura y paz, cosa que pocos autores pueden lograr. Su sencillez es algo que confunde, ya que no importa ni el modelo ni la situacion, si no la cantidad de sentimientos y emociones que se plazman en cada pieza de arte que solia crear. Lo mas interesante es el uso de tecnicas con las que transformaba las imagenes en obras unicas, co la ayuda de quimicos e inteligencia.

Elliott Erwitt

Elliott Erwitt Fotógrafo francés. Trabajó para los más importantes medios de prensa. Su calidad artística y su gran impacto comunicacional lo han situado en un lugar de privilegio entre los fotógrafos del siglo X

Elliott Erwitt comenzó tomando fotografías desde fines de los 40s. Comenzó trabajando en un estudio fotográfico en Hollywood y más tarde como fotógrafo para diversas publicaciones. En uno de sus viajes conoció a Robert Capa, Edward Steichen y Roy Stryker, quienes se convertirían en sus destacados mentores.

En 1953 fue invitado a formar parte en la prestigiosa agencia Magnum Photos por Robert Capa, uno de sus fundadores, convirtiéndose, quince años más tarde, en el presidente de la misma.
En la década de los años 60s, comenzó a realizar documentales, programas de televisión y libros. Hasta la fecha, Erwitt es autor de 18 monografías y sigue trabajando en nuevos títulos.

Comentario Personal:

Erwitt me pareció de lo mas interesante por el uso tan frecuente del racismo como tema y por la fotma tan sencilla en que ejecuta la fotografia, termina siendo muy calida y sensilla, "en el instante" diria yo. No habría mejor forma para describirla.

Incluso muestra su lado dramatico y comico, muy versatilmente, y como decia con una sencillez increible, pero sobre todo lo mas importante es que nunca pierde importancia y termina siendo muy educativo y con alto valor y fuerza.

Joel-Peter Witkin

Fotógrafo estadounidense, nacido de padre judío y madre católica. Trabajó como fotógrafo de guerra entre 1961 y 1964 en la Guerra de Vietnam. En 1967 decidió trabajar como fotógrafo freelance y se convirtió en el fotógrafo oficial de City Walls Inc.

Según el propio Witkin su particular visión y sensibilidad provienen de un episodio que presenció siendo pequeño, un accidente automovilístico en el que una niña resultó decapitada.

Sus fotos suelen involucrar temas y cosas tales como muerte, sexo, cadáveres y personas marginales como enanos, transexuales, hermafroditas o gente con deformaciones físicas. La naturaleza transgresora de su arte ha consternado a la opinión pública en repetidas ocasiones y ha provocado que lo acusen de explotador y que haya sido marginalizado como artista en diversas ocasiones.

Su acercamiento al proceso físico de la fotografía es altamente intuitivo que incluye manchar o rayar el negativo y una técnica de impresión con las manos en los químicos. Esta experimentación comenzó luego de ver un ambrotipo del siglo XIX de una mujer y su amante quien había sido arrancado.

Comentario Personal:

Me parece que la fotografía de Witkin juega un papel muy importante y fuerte, nos muestra el lado visceral del mundo, el morbo del ser humano, así como el sufrimiento físico y emocional; lo interesante de su obra es la forma de plasmar las emociones, la manera en la que le da vida a un cuerpo muerto para convertirlo en una obra de arte que perdurará hasta el fin del tiempo, te desconcierta, pero al mismo tiempo te enseña a buscar mas allá, a intentar resaltar lo especial de las cosas.

Crea una emoción, además del miedo, un sentimiento que te desgarra poco a poco, como si cada una de las incisiones de los cuerpos con los que juega estuviera en el tuyo.

Me encanta la forma en la que juega con la imagen, como enmarca utilizando las técnicas para modificar los fondos..

Eugène Atget

Eugene Atget nació el 12 de febrero de 1857 en la ciudad francesa de Libourne. Si bien su instrucción fue escasa, supo compensarla con la lectura y a través de las amistades que a lo largo de su vida fue haciendo con artistas plásticos. Su vocación (o sus ganas, mejor dicho), se inclinaron hacia el arte: intentó ser actor y también pintor, con sendos y rotundos fracasos. Pero de algo tenía que ganarse la vida y sabiendo las necesidades que tenían los artistas de imágenes documentales para “inspirar” sus cuadros, adquirió una vieja y arruinada cámara de fuelle para placas 18 x 24 y salió a recorrer las calles de París buscando aquello que le encargaban.

En poco tiempo descubrió que estaba haciendo un inventario del París de fines del siglo XIX. Fue descubriendo lugares que nada tenían que ver con la actividad profesional que había emprendido. Vendedores ambulantes, rincones perdidos de los distintos barrios, terrazas de cafés y detalles arquitectónicos que poco a poco fue registrando con inteligencia.

Atget no tenía medio de locomoción alguno y para visitar a sus clientes caminaba con su pesada cámara a cuestas. Era un peatón muy observador, además de un excelente fotógrafo.

Atget fotografió a lo largo de toda su vida, hasta el último día y, aparentemente, consideraba a su profesión, la de fotógrafo, como vergonzante y que él debía ejercerla por necesidad, para subsistir.

Sus fotos no profesionales eran el escape a esa aplastante rutina, ya que elegía con entera libertad aquellos temas que lo atraían estéticamente.

Comentario Personal:

La fotografia documental mas linda, refleja lo que habita en las calles de paris, la obra arquitectonica y la magia de esta.

Lo bonito de su trabajo es que te transporta a las calles de la cuidad sin siquiera tener que haber ido alguna vez, incluso puedes oler Paris y saborear la epoca tan hermosa en la que Atget vivía.

¿Cómo tomar una foto a la luna?

Estos son los datos y pasos mas importantes a seguir para poder tomar una fotografía en una noche donde la luna resplandese como ninguna otraa.

Para tomar fotos de la luna llena usted solo necesita una velocidad de obturación de 1/250s en ISO 100. Si la luna esta en cuarto creciente o menguante necesitara una exposición un poco mas larga.

He aquí los detalles para tomar una foto exitosa de la luna:

Trípode
Control remoto de su cámara o Disparo con cuenta regresiva
Bloqueo del Espejo (Si tiene una DSLR)
Paciencia

Lo mas importante es el trípode. Sin el, sus fotos saldrán borrosas debido al tiempo de exposición. Si su cámara lo permite y usted tiene un control remoto para disparar la foto, es otro factor que evitara que sus fotos salgan movidas. Sino tiene el control remoto, puede utilizar el disparo con cuenta regresiva que tienen todas las cámaras.

En el caso de muchas DSLR que existen en el mercado, la función de bloqueo del espejo, le permitirá eliminar otra fuente de vibraciones. Echele un ojo al manual de su cámara para determinar si usted dispone de esa función.

Por ultimo, ármese de paciencia, pues no existe una formula exacta de cuales velocidades utilizar debido a las posibles combinaciones de lentes, números f y sensibilidades de los sensores.

Usted deberá tratar con sus diferentes lentes y utilizar estas lineas como guía para tomar las fotos.

Recuerde que la Luna es un objeto celestial que es extremadamente dinámico (No vemos la misma Luna todo el tiempo).

Tipos de camaras

Tipos de cámaras fotográficas. La cámara de caja y la cámara de fuelle son los tipos clásicos a partir de los cuales se han desarrollado muchos modelos; la cámara reflex monocular del tipo Hasselblad, predecesora del tipo Rolleiflex y las cámaras miniaturizadas, como la Minox, son algunas de las muestras que ofrece el mercado.

CÁMARA DE VISOR DIRECTO:

son cámaras muy sencillas. Se ve el sujeto a través de un visor, su enmarcado ayuda a compensar cualquier error que se pudiera producir en el encuadre. Muchas de estas cámaras son de poco peso y de fácil manejo, pero estas no son apropiadas para primeros planos o para sujetos en movimiento, no deben utilizarse con poca luz y su objetivo no es intercambiable. - Tamaños de película: 110, 126, 135, 120.

CÁMARA CON TELÉMETRO:

es una cámara de visor directo, pero con mandos más avanzados que suelen incluir un exposímetro. El telémetro mide la distancia a la que se encuentra el sujeto para un mejor enfoque. El sistema de enfoque del objetivo funciona en combinación con el telémetro del visor, de forma que si se ve una imagen doble o rota en éste hay que girar el mando de enfoque hasta que ambas imágenes coincidan en una sola. Son muy fáciles de manejar y suelen ofrecer una amplia gama de velocidades de obturación adecuadas para la mayoría de las condiciones de luz. Casi todas admiten películas de 35 mm. La mayoría poseen objetivos fijos, por lo que no sirven para primeros planos y la imagen del visor aunque nítida, es pequeña. - Tamaños de película: 110, 135, 120, 220.

CÁMARA REFLEX DE UN SOLO OBJETIVO (SRL) 35 mm:

ofrece el sistema de visor más eficaz. Un espejo, con una inclinación de 45º, detrás del objetivo, dirige la luz hacia arriba a una pantalla de enfoque, lo cual elimina los errores de encuadre. Estas cámaras tienen un gran surtido de accesorios. El obturador de plano focal, está incorporado al cuerpo de la cámara, permite cambiar el objetivo sin peligro de velar la película. Una reflex de un solo objetivo es de fácil enfoque, pero son más pesadas y más complejas que las de visor directo, suelen ser más costosas y delicadas. - Tamaño de película: 135 (hay unas cámaras muy parecidas que llevan películas de 110).

CÁMARA CUADRADA REFLEX DE UN SOLO OBJETIVO:

tienen los visores arriba, por lo que hay que colocarlas a la altura de la cintura, pero muchas admiten pentaprismas u otros visores. La mayoría producen negativos de 6 x 6 cm. Los modelos que producen los negativos rectangulares sólo se pueden utilizar para hacer fotos verticales si tienen pentaprisma. El negativo al ser mayor, da una mejor calidad que el de 35 mm. Es más fácil ver el detalle en la pantalla del visor. La mayoría de los modelos tienen cartuchos o insertadores de películas intercambiables, lo que permite cargar la máquina muy de prisa. Algunas tienen el obturador incorporado en el objetivo y se sincronizan con el flash a cualquier velocidad. - Tamaños de película: 6 x 6 cm, 6 x 7 cm, 4,5 x 6 cm, 70 mm de doble perforación.

CAMARA RELEX

1. Objetivo frontal

2. Portalentes

3. Diafragma

4. Obturador de plano focal

5. Película

6. Sujeción de correa

7. Disparador

8. Mando de velocidades

9. Cuentafotogramas

10. Cámara de visor trasero

11. Zapata del flash

12. Anillo de enfoque

1.Objetivo frontal: Se denomina objetivo al conjunto de lentes convergentes y divergentes que forman parte de la óptica de una cámara tanto fotográfica como de vídeo. Su función es recibir los haces de luz procedentes del objeto y modificar su dirección hasta crear la imagen óptica, réplica luminosa del objeto. Esta imagen se lanzará contra el soporte sensible: Sensor de imagen en el caso de una cámara digital, y película sensible en la fotografía química.
El agujero de la cámara oscura fue considerado como el primer objetivo ya que permitía hacer pasar por él la luz proveniente de una escena exterior y proyectarla sobre las paredes interiores o sobre un lienzo (ver cámara estenopeica). Con el tiempo este agujero fue sustituido inicialmente por una lente esférica que concentraba una mayor cantidad de rayos en un mismo punto, y más adelante por un sistema de lentes que corregía las aberraciones ópticas.

Diafragma: El diafragma es un dispositivo que regula la abertura de un sistema óptico. Suele ser un disco o sistema de aletas dispuesto en el objetivo de una cámara de forma tal que restringe el paso de la luz, generalmente de forma ajustable. Las progresivas variaciones de abertura del diafragma se especifican mediante el número f, que es la relación entre la longitud focal y el diámetro de abertura efectivo.

Obturador de plano focal : En fotografía el obturador es el dispositivo que controla el tiempo durante el que llega la luz al elemento sensible (película o sensor). Junto con la abertura del diafragma, la velocidad de obturación es el principal dispositivo para controlar la cantidad de luz que llega al elemento fotosensible.

Película: La película fotográfica es una emulsión que contiene una sustancia sensible a la luz como el nitrato de plata sobre una capa plástica. Las más modernas capas fotosensibles son de sales de plata con un tamaño variable del cristal que afecta a la sensibilidad de la película. Cuando esta emulsión es sometida a una exposición controlada de luz o rayos X la imagen queda grabada en la película. Para obtener una imagen final, inalterable en futuras exposiciones a la luz -una fotografía- se le aplican a la película una serie de procesos químicos, en un proceso llamado revelado fotográfico.

La fotografía en blanco y negro usa una sola capa de plata, mientras que las películas en color usan tres capas.