lunes, 8 de diciembre de 2008

Richard Avedon


Reputado fotógrafo de moda y gran retratista comenzó su carrera profesional en los años cincuenta realizando espléndidos trabajos de moda para la revista Harper's Bazaar, donde acabó convirtiéndose en Jefe de Fotografía. Posteriormente, habría de colaborar igualmente con otras revistas como Vogue, Life y Look.


Sin duda alguna, fue el gran fotógrafo de la moda durante los años sesenta y setenta. En sus trabajos consiguió elevar la fotografía de moda al rango de lo artístico, al conseguir acabar con el mito de que los modelos debían proyectar indiferencia o sumisión. Por el contrario, en sus fotografías los modelos eran personajes libres y creativos en sus gestos dentro de escenarios dinámicos y bajo esquemas compositivos previamente decididos.

Lauren Greenfield

Desde 1971, Greenfield se dedicó a la fotografía de personas con deseordenes alimenticios, empezando en la ciudad de Florida, Estados Unidos.


Lauren cuenta que el proceso por el cual los pacientes pasan para dejar atras tales enfermedades es muy dificil, por lo cual adquirio fotografias con fuerte sentido emocional, esto la llevo a comprender de diferente forma a los pacientes de la clinica a la solia visitar, lo cual le ayudó tambien a ejecutar fotografias con mas peso emocional y sentimental.


La mayor parte del trabajo de Greenfield es documental, ya que a lo largo de los años ha creado portafolios fotograficos con temas especificos donde relata las diferentes facetas de las personas, tal es el caso del portafolio "Kids + Money".

Cindy Sherman

Sus imagenes plantean, en términos generales, un trabajo de deconstrucción de lo femenino y del rol sexual, así como del cuerpo humano. Sin embargo, las fotografías de Sherman poseen capacidad de acción –digamos de una cierta subjetividad a partir de la cual se va a intentar reconstruir un nuevo papel femenino sobre las cenizas de un modelo (corrupto y corrompido) que ya no le sirve a la mujer– y van a ejercer, además, como instrumentos válidos para revelarse a las miradas de los otros (a los que ella tratará de dirigir)

Las fotografías de Sherman constituyen un trabajo conceptual enmarcado dentro de lo que se ha dado en llamar postmodernismo fotográfico, precisamente porque utiliza al cuerpo como espacio de discusión y de “tensión sexual”, donde el deseo y la reivindicación feminista marcan el punto de despegue para la construcción de una nueva mujer.



Comentario Personal:



El trabajo de Sherman me parece rico en informacion, dado que anteriormente y sobre todo en la epoca en que ella desempeñaba su labor, la mujer no habia jugado un papel mas que el ama de casa y esposa, cindy le doí el protagonizmo de la epoca y plasmo a la mujer de forma sátirica, haciendo burla del statues y rol en el que la encasillaban cuando la mujer es mucho mas que una mucama con lindas piernas.

Personalmente me encanta este tipo de fotografia, de que cierta forma esta documentando un hecho grande con sencillez.

Tipos de Luz segun su posicion.






















Cualidades luminicas


Origen: Natural o artificial (Determina muchas veces otros factores)
Numero de Fuentes: que intervienen en la ecena, determinados por la intensidad de cada fuente.


Color: Temperatura de color determinada longuitud de onda


Dirección: manejo de luz, lo que pulso de iluminación me daría.


Difusión: Determina la nitidez del borde de las sombras, dureza o suavidad

domingo, 7 de diciembre de 2008

Datos para la realizacion de mejores fotografias

Tipos de filtros:
-Sky de Light
-Filtro U.V.
-Filtro polarizado
-Filtro difusor (elimina imperfecciones de la piel).

La estructura del lente contiene diferentes tipos de cristales pulidos. El lente que posea un diafragma de 1.2 tiene más calidad porque es más luminoso.

Filtros para película blanco y negro.

Los filtros son los discos o los cuadrados transparentes coloreados puestos en el frente de la lente de cámara para modificar la luz que pasa a la película. Un filtro es un tipo de pantalla que permite pasar la luz de su propio color, pero parcial o totalmente absorbe la luz de otros colores. Los filtros son los accesorios útiles para la fotografía en blanco y negro, porque ellos permiten al fotógrafo controlar los valores tonales de un cuadro. Al usar el filtro apropiado, un fotógrafo puede reproducir uno cierto color o colores en tonos más obscuros o más livianos, dependiendo del efecto deseado.
Un filtro rojo, por ejemplo, transmite luz roja y bloquea azul y verde. Los objetos así rojos serán relativamente oscuros sobre el negativo. A causa de la naturaleza de los negativos, sin embargo, el rojo reproducirá como una sombra más clara de gris en el estampado, mientras los objetos azules y verdes aparecerán más obscuros

Para la mayoría de las fotografías blanco y negro con película pancromática, ningún filtro es necesario. A veces, sin embargo, puede ser útil crear efectos seguros. Por ejemplo, los se puede desear oscurecer el tono azul del cielo y enfatizar las nubes blancas. Se pueden usar un filtro amarillo-mediano o verde claro, para dar un efecto más dramático, Se puede seleccionar un filtro rojo.

Filtros para película color.
Cuando se toman cuadros en color, puede escogerse usar filtros por una de dos razones básicas. Una es lograr una interpretación normal de color por adaptar una película de color a una fuente de iluminación a la que no este equilibrada. El segundo es modificar los colores en un cuadro a fin de lograr un efecto especial o crear un genio particular.
Un filtro útil para la fotografía color externa es el filtro de tragaluz. Se matiza un pálido rosado y tiene un efecto de ligera armonía. Ayuda reducir el tono azulado que puede encontrarse en los cuadros de color hechos en a sombra de un cielo azul o en condiciones nubladas.
Los filtros Polarizados oscurecen un cielo azul en la imagen final sin afectar otros colores. También reducen reflejos desde superficies lustrosos no metálicas tales como un vaso, el agua, o madera barnizada. Pueden usarse en blanco y negro así como también en la fotografía de color.
Los filtros de densidad neutra son filtros incoloros que están disponibles en diversos grados de densidad. Se usan para reducir la cantidad de luz que alcanza la película sin afectar los colores o los valores en el cuadro.
Una gran variedad de filtros de efectos especiales son disponibles para la experimentación fotográfica. Ellos producen la fragmentación de color de arco iris, explosiones, imágenes múltiples, interpretaciones de foco suaves, y otros efectos.

ISO-ASA

El ISO, antes conocido como ASA es la sensibilidad que puede tener una película o un sensor a la luz. Las cámaras digitales tienen un rango de ISO que normalmente va de 100 a 400, pero en cámaras profesionales podemos encontrar rangos de ISO 50 a 3200. Entre mayor sea el número significa que la cámara necesita menos luz para tomar una foto, es decir, una foto que normalmente no se podría tomar ISO 100 por falta de luz, se puede tomar si utilizamos un ISO 400. La desventaja de utilizar un ISO elevado es que la imagen que obtendremos será una imagen con ruido digital, en muchas ocasiones este ruido puede ser reducido considerablemente por medio de filtros reductores de ruido utilizados en aplicaciones para retocar y post-procesar fotografías.

Tipos y funciones de la imagen


La imagen se clasifica en dos tipos:
1) Las materiales o sensibles, son aquellas que se pueden “tocar, mutilar o ampliar... [ellas,] están ahí, frente a nosotros”.
2) Las imaginarias, inmateriales o no sensibles, son aquellas que ocurren en la imaginación, “son representaciones que se encuentran en el interior de la cabeza (y en el cerebro), como una especie de acervo visual disponible en todo momento”.
De acuerdo a Daniel Prieto Castillo, la imagen cuenta con las dos siguientes funciones:

1) Documental, es “un testimonio de algo,… una reiteración, una muestra de una situación o de un individu. Las imágenes periodísticas y científicas se ubican en ella.
2) Enfatización, de acuerdo a Daniel Prieto Castillo “la casi totalidad de los mensajes de difusión colectiva (revistas, historietas, fotonovelas, teleseries, carteles…) son organizados de esta manera” ; consta de dos tipos: a) la enfatización temática, “consiste en aquellos datos, aquellas facetas del tema que serán puestos de relieve”; y b) la enfatización estética, la cual se refiere a recursos formales como el color, claro-oscuro, selección de planos, composición, etc., por ejemplo, la imagen publicitaria.

La importancia de la fotografía


*Representa la historia del hombre.
*Nos ayuda a conocer el mundo distante.
*Es el resguardo de la experiencia vivida
*El mundo se convierte en portátil e ilustrado.
*Poderoso vehículo de información.
*Método de conocimiento.
*Instrumento de poder político.
*Mundo Mágico.
*Método de comunicacion masiva.
*Instrumento de aprendizaje.

Etapa del genisis de la imagen


1.-Primera imagen: el contorno
2.-Aparición de detalles al interior del contorno.
3.-Aparición de contornos sobre un fondo.
4.-Los colores.
5.-Rotación de los perfiles (cambiar de punto de vista con el pensamiento).
6.-La escultura.
7.- Yuxtaposición significante de diversos elementos visuales “cómics”.
8.-La sombra.
9.- La perspectiva
10.-Fotografía.
11.-estereoscopia
12.-Imagen móvil
13.-Síntesis total: La imagen del ordenador
14.- El Holograma.

Los lentes de la camara

El propósito de una lente de cámara está transmitir rayos de luz en la cámara y los enfocarlos para formar una imagen intensa sobre la película. Con las cámaras más simples no se requiere ningún ajuste de enfoque manual. Todos los objetos, desde unos pies en la frente de la cámara a una gran distancia, se registrarán en una imagen razonablemente intensa. Las cámaras más avanzadas, sin embargo, tienen un control de enfoque que ajusta la lente para que los objetos a una distancia dada desde la cámara estén en el foco en la película.

Con algunas cámaras los focos se toman simplemente por estimación del fotógrafo de la distancia al objeto y colocando el enfoque en una escala en la cámara marcada en números o distancias. Con cámaras de telémetro el fotógrafo ajusta una aguja que se encuentra en la parte de arriba con respecto a otras dos fuera del objeto. Con cámaras reflex la lente se ajusta hasta que la imagen sobre la pantalla del ocular aparezca en el foco con respecto a un pequeño círculo.

El lente contiene una serie de cristales o lentillas que estan puestos ahí para dar una mejor imagen. entre menos elementos (lentillas) mayor calidad. El lente normal es de unos 50 mm que es el que contiene un ángulo similar al del ser humano. La cualidad del lente es que tiene una longitud focal que determinara cuan lejos o cuan cerca aparecen los objetos.

Los lentes por su distancia focal se clasifican en:
Gran Angular: Este tipo de lentes sirven para tomar un grupo grande de personas a corta distancia, son ideales también para fotografías de paisajes y la distancia focal de estos lentes en equivalente de 35mm tiene que ser menor a 50mm
Lente normal: Es un lente que reproduce las perspectivas de manera muy similar a como lo hace el ojo humano y la distancia focal de un lente normal es de 50mm
Telefoto/ teleobjetivo: Es un lente con una distancia focal superior a los 50mm y estos lentes sirven para hacer tomas a distancia.
Zoom: Los lentes zoom son los más populares en las cámaras digitales ya que tienen gran angular, normal y telefoto en un mismo lente.

sábado, 6 de diciembre de 2008

Lewis Carrol

Lewis Carroll es el seudónimo por el que es conocido en la historia de la literatura Charles Lutwidge Dodgson , sacerdote anglicano, lógico, matemático, fotógrafo y escritor británico, conocido sobre todo por su obra Alicia en el país de las maravillas.

A través de la fotografía, Carroll trató de combinar los ideales de libertad y belleza con la inocencia edénica, donde el cuerpo humano y el contacto humano podían ser disfrutados sin sentimiento de culpa. En su mediana edad, esta visión se transformó en la persecución de la belleza como un estado de gracia, un medio para recuperar la inocencia perdida.

Las fotografías y esbozos de desnudos que Dodgson realizaba alentaron la suposición de que tenía tendencias pedófilas.


La fotografía le fue también útil como entrada en círculos sociales elevados. Cuando logró tener un estudio propio, hizo notables retratos de personajes relevantes, como John Everett Millais, Ellen Terry, Dante Gabriel Rossetti, Julia Margaret Cameron y Alfred Tennyson. Cultivó también el paisaje y el estudio anatómico. Dodgson abandonó repentinamente la fotografía en 1880.


Comentario Personal:

Desde que leí a Carroll, noté cierta afición por los niños, ahora en la fotografía, pues no hacen falta los comentarios. Su fotografía va hacia donde mismo, niños, poses y pretensión, me parece una persona inteligentísima ya que llevaba a cabo varias de mis actividades favoritas, es verdad que sus fotografías emanan belleza y estética, aunque una estética muy al natural y se disfruta eso.

Pareciera a simple vista fotografía muy básica, esa es una de las cosas que la hacen tan agradable, el hecho de ser tan simples y con tenues toques de belleza.

Niceforo Niepce

Es considerado el inventor de la fotografía.Era oficial de Napoleón y comenzó a dedicarse al estudio de la fotografía.Recogería la tradición de las cámaras oscuras y crearía una mucho más manejable que las anteriores y dotada de objetivo.Trabajaría en el campo de los soportes hasta que llegó al peltre y las emulsiones.Tras diversos ensayos obtiene en su finca en 1826 lo que los historiadores estiman la primera fotografía de la historia.La exposición duró entre 10 y 12 horas
Cindy Sherman

Artista estadounidense. Estudia arte en el Buffalo State College de Nueva York entre 1972 y 1976, dedicando una especial atención a la fotografía. Hasta 1986 realiza únicamente autorretratos fotográficos con los que intenta parodiar el tema de la mujer estereotipada: situándose en diferentes escenarios, sus imágenes en blanco y negro y de pequeño formato dan paso a otras en color y de formato más grande. En ellas, el humor va desde la muda introspección hasta la sensualidad más provocativa, desatándose el horror y la repulsión a finales de los ochenta.

Carlos Jurado:

Nace en 1927 en el estado de Chiapas.En 1973 inicia se actividad fotográfica y ocupa cargos de dirección en la Universidad Veracruzana , donde establece, por primera vez en México la carrera de Fotografía a nivel de Licenciatura..Actualmente trabaja de manera independiente en su taller.Carlos Jurado considera la fotografía como el producto de un acto mágico. Trabaja principalmente con cámaras estenopeicas (pinhole). Con este sistema trata de obtener anbientes y atmósferas sugerentes poco comunes.a realizado también obras utilizando sistemas antiguos como la goma bicromatada, la cianotipia, papel sepia ,etc. Carlos Jurado construye sus propias cámaras, así como algunos equipos necesarios para su producción.

Comentario Personal:

No es fotografía que cause impacto en mí, pero si me sorprendió en algunos aspectos, como en el uso de la técnica de goma bicromatada, me parece interesante e incluso me gustaría aprender a usarla. Hay algunas fotografías que de plano simplemente las deje pasar, pero hubo otras que si me transportaron a algún lugar o recuerdo específico. En lo personal esa es mi cualidad de la fotografía, la facilidad con la que me hacen viajar sin tener que pagar el boleto de avión.

Félix Nadar


Su nombre real era Gaspard Félix Tournachon.

Nació en 1820 en Lyón y falleció en París en 1910, estudió medicina en su ciudad natal. En 1842 debido a la quiebra de la empresa de impresión de su padre, se trasladó a París ganándose la vida como periodista y caricaturista.Estuvo siempre muy interesado por las ideas más avanzadas de su tiempo en política, literatura, ciencias... y fue un conductor de la libertad de expresión.Nadar demostró, mejor que cualquier otro fotógrafo de su época, que la fotografía es algo muy distinto al simple producto de una técnica.

Nadar hacía retratos como lo haría un pintor pero con un medio nuevo.
A Nadar se deben las primeras fotografías aéreas de la historia en el año 1856 realizadas con una cámara fotográfica desde un globo aerostático.
También fue el primer fotógrafo en realizar fotografías con luz artificial consiguiendo captar imágenes de las catacumbas de París.

Comentario Personal:

Debo decir que el retrato no es uno de los “géneros” (por así llamarlos) fotográficos favoritos, me parecen monótonos y un tanto falsos, pero lo que sí me parece realmente interesante acerca de Nadar es el hecho de que fue el primer hombre en presentar fotografías aéreas, lo cual me hace pensar mucho en cuál sería la razón por la que se vio interesado en hacer esto.

Podrían ser varias cosas, como la curiosidad, el escepticismo, la búsqueda, etc., tal avance sin duda ha servido de mucho, pero también ha creado campos de desconfianza e incluso de guerra. Es interesante pensar en los avances en cuanto a ventajas y desventajas se trata y lo aun más grande de todo es el saber que todo esto viene de una simple fotografía.

Oliviero Toscani

Oliviero Toscani es un fotógrafo italiano, reconocido principalmente por sus campañas publicitarias diseñadas para la marca de ropa Benetton, las cuales provocaron controversia en las décadas de 1980 y 1990.
Estudió fotografía en Zúrich, Suiza, una de sus campañas más famosas incluía una fotografía de un enfermo de SIDA agonizando en una cama de hospital, rodeado de familiares dolientes. Otras, incluían alusiones al racismo, la guerra, la religión y la pena capital.
En 2005, Toscani levantó polémicas nuevamente, cuando hizo fotografías para la campaña publicitaria de la marca de ropa masculina "Ra-Re". Los retratos aludían al homosexualismo masculino, de un modo que enardeció a diversos grupos que debatían los derechos homosexuales.

Comentario Personal:

Me pareció muy interesante ver la obra de Toscani, ya que esta enfocado mas a la publicidad, creo que es una nueva aventura y esto cambia por completo la idea que tenemos de la imagen y la fotografía, es aquí cuando deja de ser un medio con el cual recordamos y viajamos para convertirse en un medio de venta y comunicación, es como un arma de doble filo, esto le suma importancia y fuerza.

Me parece extraordinaria la forma tan sencilla en la que utiliza el doble sentido y las ideas sociales y políticas de forma que impacta fuertemente, me hace pensar y dudar, incluso me hace presuponer cosas y hasta hacer conciencia.

Impacta, pero aun mas importante, crea un pensamiento iluminado a base de imágenes y utilizando simple magia.

Henri Cartier-Bresson

Henri Cartier-Bresson fue un célebre fotógrafo francés considerado por muchos el padre del fotorreportaje. Predicó siempre con la idea de atrapar el instante decisivo, versión traducida de sus "images a la sauvette", que vienen a significar con más precisión "imágenes a hurtadillas". Se trataba, pues, de poner la cabeza, el ojo y el corazón en el mismo momento en el que se desarrolla el clímax de una acción.

A lo largo de su carrera, tuvo la oportunidad de retratar a personajes de la talla de Pablo Picasso, Henri Matisse, Marie Curie, Edith Piaf, Fidel Castro y Ernesto Guevara. También cubrió importantes eventos, como la muerte de Gandhi, la Guerra Civil Española, donde filmó el documental sobre el bando republicano "Victorie de la vie", la SGM, en la que estuvo en la Unidad de Cine y Fotografía del ejército galo o la entrada triunfal de Mao Zedong a Pekín. Cartier-Bresson fue el primer periodista occidental que pudo visitar la Unión Soviética tras la muerte de José Stalin

Comentario Personal:

La fotografía de Cartier es más accesible y diversa, además de “bonita” y agradable a la vista, esta nos transporta a diferentes partes del mundo y del tiempo, lo cual es lo que la hace enriquecedora. Es sumamente realista, siendo fotografías tomadas infraganti, atrapa momentos de la vida cotidiana en papel dejando un legado de emociones y situaciones fuertes.
Creo que la mayoría de las personas se sienten en contacto con Cartier por el hecho de que su trabajo es muy sencillo pero no por esto pierde su dureza e importancia, fácilmente nos sentimos identificados al momento de ver alguna de sus imágenes y viajamos en el tiempo hacia un recuerdo añejado que se alberga en nuestra memoria.

David Nebreda:

Licenciado en Bellas Artes. A los 19 años los médicos le diagnosticaron esquizofrenia. Vive encerrado en un piso de Madrid con apenas dos habitaciones donde ha realizado la totalidad de su obra fotográfica, sin tomar medicación, sin comunicación con el exterior, sin radio, prensa, libros ni televisión. Vegetariano desde los 20 años, practica la abstinencia sexual, y se somete a severos ayunos que le mantiene en un estado de delgadez extrema.

Autodidacta dentro de la fotografía, sorprende por su sabia utilización de la técnica, el dominio de la luz y los claroscuros de sus fotografías, no manipula el positivado aunque si utiliza la doble exposición.


El único referente cercano a su obra puede ser la del artista Peter Witkin, a diferencia de Witkin, Nebreda basa todo su trabajo en su propia persona.

Comentario personal:

Al igual que Witkin, Nebreda crea en un una combinación extraña de sentimientos, la diferencia es que con Nebreda solo siento miedo, disgusto, terror, desesperación e incluso un poco de la esquizofrenia que el sufría.

Es enriquecedor por esa parte, es bueno ver fotografía que no tienen nada que ver con la estética y la belleza, de esa forma nos muestra el lado real y desquiciado de las personas, porque muy en el fondo, todos estamos igual de destrozados, allanados y desnutridos dentro de un cofre al que llamamos “cuerpo”. Me parece inteligente, pero destructiva la forma en la que Nebreda lleva a cabo su fotografía.