lunes, 8 de diciembre de 2008
Richard Avedon
Lauren Greenfield
Lauren cuenta que el proceso por el cual los pacientes pasan para dejar atras tales enfermedades es muy dificil, por lo cual adquirio fotografias con fuerte sentido emocional, esto la llevo a comprender de diferente forma a los pacientes de la clinica a la solia visitar, lo cual le ayudó tambien a ejecutar fotografias con mas peso emocional y sentimental.
La mayor parte del trabajo de Greenfield es documental, ya que a lo largo de los años ha creado portafolios fotograficos con temas especificos donde relata las diferentes facetas de las personas, tal es el caso del portafolio "Kids + Money".
Cindy Sherman
Las fotografías de Sherman constituyen un trabajo conceptual enmarcado dentro de lo que se ha dado en llamar postmodernismo fotográfico, precisamente porque utiliza al cuerpo como espacio de discusión y de “tensión sexual”, donde el deseo y la reivindicación feminista marcan el punto de despegue para la construcción de una nueva mujer.
Comentario Personal:
El trabajo de Sherman me parece rico en informacion, dado que anteriormente y sobre todo en la epoca en que ella desempeñaba su labor, la mujer no habia jugado un papel mas que el ama de casa y esposa, cindy le doí el protagonizmo de la epoca y plasmo a la mujer de forma sátirica, haciendo burla del statues y rol en el que la encasillaban cuando la mujer es mucho mas que una mucama con lindas piernas.
Personalmente me encanta este tipo de fotografia, de que cierta forma esta documentando un hecho grande con sencillez.
Cualidades luminicas
domingo, 7 de diciembre de 2008
Datos para la realizacion de mejores fotografias
-Sky de Light
-Filtro U.V.
-Filtro polarizado
-Filtro difusor (elimina imperfecciones de la piel).
La estructura del lente contiene diferentes tipos de cristales pulidos. El lente que posea un diafragma de 1.2 tiene más calidad porque es más luminoso.
Un filtro rojo, por ejemplo, transmite luz roja y bloquea azul y verde. Los objetos así rojos serán relativamente oscuros sobre el negativo. A causa de la naturaleza de los negativos, sin embargo, el rojo reproducirá como una sombra más clara de gris en el estampado, mientras los objetos azules y verdes aparecerán más obscuros
Cuando se toman cuadros en color, puede escogerse usar filtros por una de dos razones básicas. Una es lograr una interpretación normal de color por adaptar una película de color a una fuente de iluminación a la que no este equilibrada. El segundo es modificar los colores en un cuadro a fin de lograr un efecto especial o crear un genio particular.
ISO-ASA
El ISO, antes conocido como ASA es la sensibilidad que puede tener una película o un sensor a la luz. Las cámaras digitales tienen un rango de ISO que normalmente va de 100 a 400, pero en cámaras profesionales podemos encontrar rangos de ISO 50 a 3200. Entre mayor sea el número significa que la cámara necesita menos luz para tomar una foto, es decir, una foto que normalmente no se podría tomar ISO 100 por falta de luz, se puede tomar si utilizamos un ISO 400. La desventaja de utilizar un ISO elevado es que la imagen que obtendremos será una imagen con ruido digital, en muchas ocasiones este ruido puede ser reducido considerablemente por medio de filtros reductores de ruido utilizados en aplicaciones para retocar y post-procesar fotografías.
Tipos y funciones de la imagen
2) Las imaginarias, inmateriales o no sensibles, son aquellas que ocurren en la imaginación, “son representaciones que se encuentran en el interior de la cabeza (y en el cerebro), como una especie de acervo visual disponible en todo momento”.
La importancia de la fotografía
Etapa del genisis de la imagen
1.-Primera imagen: el contorno
2.-Aparición de detalles al interior del contorno.
3.-Aparición de contornos sobre un fondo.
4.-Los colores.
5.-Rotación de los perfiles (cambiar de punto de vista con el pensamiento).
6.-La escultura.
7.- Yuxtaposición significante de diversos elementos visuales “cómics”.
8.-La sombra.
9.- La perspectiva
10.-Fotografía.
11.-estereoscopia
12.-Imagen móvil
13.-Síntesis total: La imagen del ordenador
14.- El Holograma.
Los lentes de la camara
El lente contiene una serie de cristales o lentillas que estan puestos ahí para dar una mejor imagen. entre menos elementos (lentillas) mayor calidad. El lente normal es de unos 50 mm que es el que contiene un ángulo similar al del ser humano. La cualidad del lente es que tiene una longitud focal que determinara cuan lejos o cuan cerca aparecen los objetos.
Los lentes por su distancia focal se clasifican en:
Gran Angular: Este tipo de lentes sirven para tomar un grupo grande de personas a corta distancia, son ideales también para fotografías de paisajes y la distancia focal de estos lentes en equivalente de 35mm tiene que ser menor a 50mm
Lente normal: Es un lente que reproduce las perspectivas de manera muy similar a como lo hace el ojo humano y la distancia focal de un lente normal es de 50mm
Telefoto/ teleobjetivo: Es un lente con una distancia focal superior a los 50mm y estos lentes sirven para hacer tomas a distancia.
Zoom: Los lentes zoom son los más populares en las cámaras digitales ya que tienen gran angular, normal y telefoto en un mismo lente.
sábado, 6 de diciembre de 2008
Lewis Carrol
A través de la fotografía, Carroll trató de combinar los ideales de libertad y belleza con la inocencia edénica, donde el cuerpo humano y el contacto humano podían ser disfrutados sin sentimiento de culpa. En su mediana edad, esta visión se transformó en la persecución de la belleza como un estado de gracia, un medio para recuperar la inocencia perdida.
Las fotografías y esbozos de desnudos que Dodgson realizaba alentaron la suposición de que tenía tendencias pedófilas.
Comentario Personal:
Desde que leí a Carroll, noté cierta afición por los niños, ahora en la fotografía, pues no hacen falta los comentarios. Su fotografía va hacia donde mismo, niños, poses y pretensión, me parece una persona inteligentísima ya que llevaba a cabo varias de mis actividades favoritas, es verdad que sus fotografías emanan belleza y estética, aunque una estética muy al natural y se disfruta eso.
Pareciera a simple vista fotografía muy básica, esa es una de las cosas que la hacen tan agradable, el hecho de ser tan simples y con tenues toques de belleza.
Niceforo Niepce
Cindy Sherman
Artista estadounidense. Estudia arte en el Buffalo State College de Nueva York entre 1972 y 1976, dedicando una especial atención a la fotografía. Hasta 1986 realiza únicamente autorretratos fotográficos con los que intenta parodiar el tema de la mujer estereotipada: situándose en diferentes escenarios, sus imágenes en blanco y negro y de pequeño formato dan paso a otras en color y de formato más grande. En ellas, el humor va desde la muda introspección hasta la sensualidad más provocativa, desatándose el horror y la repulsión a finales de los ochenta.
Carlos Jurado:
Comentario Personal:
No es fotografía que cause impacto en mí, pero si me sorprendió en algunos aspectos, como en el uso de la técnica de goma bicromatada, me parece interesante e incluso me gustaría aprender a usarla. Hay algunas fotografías que de plano simplemente las deje pasar, pero hubo otras que si me transportaron a algún lugar o recuerdo específico. En lo personal esa es mi cualidad de la fotografía, la facilidad con la que me hacen viajar sin tener que pagar el boleto de avión.
Félix Nadar
Nació en 1820 en Lyón y falleció en París en 1910, estudió medicina en su ciudad natal. En 1842 debido a la quiebra de la empresa de impresión de su padre, se trasladó a París ganándose la vida como periodista y caricaturista.Estuvo siempre muy interesado por las ideas más avanzadas de su tiempo en política, literatura, ciencias... y fue un conductor de la libertad de expresión.Nadar demostró, mejor que cualquier otro fotógrafo de su época, que la fotografía es algo muy distinto al simple producto de una técnica.
Nadar hacía retratos como lo haría un pintor pero con un medio nuevo.
A Nadar se deben las primeras fotografías aéreas de la historia en el año 1856 realizadas con una cámara fotográfica desde un globo aerostático.
También fue el primer fotógrafo en realizar fotografías con luz artificial consiguiendo captar imágenes de las catacumbas de París.
Comentario Personal:
Debo decir que el retrato no es uno de los “géneros” (por así llamarlos) fotográficos favoritos, me parecen monótonos y un tanto falsos, pero lo que sí me parece realmente interesante acerca de Nadar es el hecho de que fue el primer hombre en presentar fotografías aéreas, lo cual me hace pensar mucho en cuál sería la razón por la que se vio interesado en hacer esto.
Podrían ser varias cosas, como la curiosidad, el escepticismo, la búsqueda, etc., tal avance sin duda ha servido de mucho, pero también ha creado campos de desconfianza e incluso de guerra. Es interesante pensar en los avances en cuanto a ventajas y desventajas se trata y lo aun más grande de todo es el saber que todo esto viene de una simple fotografía.
Oliviero Toscani
Estudió fotografía en Zúrich, Suiza, una de sus campañas más famosas incluía una fotografía de un enfermo de SIDA agonizando en una cama de hospital, rodeado de familiares dolientes. Otras, incluían alusiones al racismo, la guerra, la religión y la pena capital.
En 2005, Toscani levantó polémicas nuevamente, cuando hizo fotografías para la campaña publicitaria de la marca de ropa masculina "Ra-Re". Los retratos aludían al homosexualismo masculino, de un modo que enardeció a diversos grupos que debatían los derechos homosexuales.
Comentario Personal:
Me pareció muy interesante ver la obra de Toscani, ya que esta enfocado mas a la publicidad, creo que es una nueva aventura y esto cambia por completo la idea que tenemos de la imagen y la fotografía, es aquí cuando deja de ser un medio con el cual recordamos y viajamos para convertirse en un medio de venta y comunicación, es como un arma de doble filo, esto le suma importancia y fuerza.
Me parece extraordinaria la forma tan sencilla en la que utiliza el doble sentido y las ideas sociales y políticas de forma que impacta fuertemente, me hace pensar y dudar, incluso me hace presuponer cosas y hasta hacer conciencia.
Impacta, pero aun mas importante, crea un pensamiento iluminado a base de imágenes y utilizando simple magia.
Henri Cartier-Bresson
A lo largo de su carrera, tuvo la oportunidad de retratar a personajes de la talla de Pablo Picasso, Henri Matisse, Marie Curie, Edith Piaf, Fidel Castro y Ernesto Guevara. También cubrió importantes eventos, como la muerte de Gandhi, la Guerra Civil Española, donde filmó el documental sobre el bando republicano "Victorie de la vie", la SGM, en la que estuvo en la Unidad de Cine y Fotografía del ejército galo o la entrada triunfal de Mao Zedong a Pekín. Cartier-Bresson fue el primer periodista occidental que pudo visitar la Unión Soviética tras la muerte de José Stalin
Comentario Personal:
La fotografía de Cartier es más accesible y diversa, además de “bonita” y agradable a la vista, esta nos transporta a diferentes partes del mundo y del tiempo, lo cual es lo que la hace enriquecedora. Es sumamente realista, siendo fotografías tomadas infraganti, atrapa momentos de la vida cotidiana en papel dejando un legado de emociones y situaciones fuertes.
Creo que la mayoría de las personas se sienten en contacto con Cartier por el hecho de que su trabajo es muy sencillo pero no por esto pierde su dureza e importancia, fácilmente nos sentimos identificados al momento de ver alguna de sus imágenes y viajamos en el tiempo hacia un recuerdo añejado que se alberga en nuestra memoria.
David Nebreda:
Autodidacta dentro de la fotografía, sorprende por su sabia utilización de la técnica, el dominio de la luz y los claroscuros de sus fotografías, no manipula el positivado aunque si utiliza la doble exposición.
El único referente cercano a su obra puede ser la del artista Peter Witkin, a diferencia de Witkin, Nebreda basa todo su trabajo en su propia persona.
Comentario personal:
Al igual que Witkin, Nebreda crea en un una combinación extraña de sentimientos, la diferencia es que con Nebreda solo siento miedo, disgusto, terror, desesperación e incluso un poco de la esquizofrenia que el sufría.
Es enriquecedor por esa parte, es bueno ver fotografía que no tienen nada que ver con la estética y la belleza, de esa forma nos muestra el lado real y desquiciado de las personas, porque muy en el fondo, todos estamos igual de destrozados, allanados y desnutridos dentro de un cofre al que llamamos “cuerpo”. Me parece inteligente, pero destructiva la forma en la que Nebreda lleva a cabo su fotografía.
miércoles, 26 de noviembre de 2008
El pictorialismo
Para el grupo de fotógrafos que lo conformaron, el pictorialismo supone hablar de una imagen más dentro de lo existente, de una imagen simple captada/separada de un mero registro de la realidad.
Surge como reacción a la fotografía de aficionados, considerada vulgar y nacida con la comercialización de la cámara fotográfica instantánea de Kodak, y se extiende rápidamente por todo el mundo. También se contrapone a la Fotografía academicista reivindicando los valores propios de la fotografía para la realización de obras de arte en plena igualdad con otras disciplinas artísticas (pintura, escultura, arquitectura). Es por ello que se renuncia a la imitación de la pintura.
Los fotógrafos del pictorialismo se definen como fotógrafos y artistas en la línea de las teorías del romanticismo propias del siglo XIX, destacando la sensibilidad e inspiración de los autores y otorgando un papel secundario a los conocimientos técnicos (tal y como hacía Julia Margaret Cameron).
El pictorialismo supone una selección de los temas (Paisaje - Días nublados, de lluvia, de niebla,.... y todos aquellos en los que los agentes atmosféricos no permiten que las imágenes sean nítidas / Retrato - Se eligen principalmente figuras femeninas, e igualmente se busca esa borrosidad / Alegorías / Etc.).
Entre el tema seleccionado y la cámara se colocan filtros, pantallas y demás utensilios que impiden ver claramente. Igualmente recurren a la utilización de juegos de luces y sombras.
No se enfoca de forma deliberada para provocar un efecto similar a la pintura impresionista (es por eso que el pictorialismo es también conocido como fotografía impresionista).
Julia Margaret Cameron
Llegó a exponer en la Exposición Universal de 1870, y su obra fue reconocida póstumamente, junto a la de Lewis Carroll, gracias a su reivindicación por parte de los fotógrafos del pictorialismo, así como al apoyo del grupo literario de Bloomsbury y a su sobrina nieta Virginia Woolf.
La Literatura, el Renacimiento, la Pintura Pre-Rafaelíta y la Biblia influenciaron su obra. En una carta dirigida a su amigo Sir John Herschel; Cameron le explicó su intención de aliniar la fotografía con el arte, escribió: "mis aspiraciones son ennoblecer la fotografía y alzarla a la categoría de Arte, combinando la realidad con la poesía y la belleza ideal". Creía que la fotografía era la forma para resucitar el arte sacro, para los victorianos el arte era una técnica, el arte fino era expresión pero no necesariamente ético, pero el arte alto era el arte sacro.
Por su posición social y económica, Cameron pudo mantenerse fiel a sus principios esteticos con más tenacidad que otros colegas. Transformó en su casa de campo, el depósito de carbón en cuarto oscuro y el gallinero en estudio.
Cameron repetía las copias una y otra vez, hasta que se sentía satisfecha del resultado. Jamás retocaba o ampliaba sus negativos: sacaba copias de contacto de sus enormes placas húmedas. Trabajaba convertida en una ermitaña de su profesión, descuidada al vestir, sucia en su propio trabajo (sus negativos llevan manchas y huellas dactilares) y apasionada en sus creaciones.
Una de sus preocupaciones era realizar obras genuinas, captar la belleza ideal que emana del rostro de sus modelos. Sus retratos de primeros planos son en realidad primerísimos planos tal vez con una intención metafísica.
Comentario Persoal:
Los retraros de Cameron me parecen un tanto angelicales, como caidos del cielo, la mayoria despiertan ternura y paz, cosa que pocos autores pueden lograr. Su sencillez es algo que confunde, ya que no importa ni el modelo ni la situacion, si no la cantidad de sentimientos y emociones que se plazman en cada pieza de arte que solia crear. Lo mas interesante es el uso de tecnicas con las que transformaba las imagenes en obras unicas, co la ayuda de quimicos e inteligencia.
Elliott Erwitt
Elliott Erwitt comenzó tomando fotografías desde fines de los 40s. Comenzó trabajando en un estudio fotográfico en Hollywood y más tarde como fotógrafo para diversas publicaciones. En uno de sus viajes conoció a Robert Capa, Edward Steichen y Roy Stryker, quienes se convertirían en sus destacados mentores.
En 1953 fue invitado a formar parte en la prestigiosa agencia Magnum Photos por Robert Capa, uno de sus fundadores, convirtiéndose, quince años más tarde, en el presidente de la misma.
En la década de los años 60s, comenzó a realizar documentales, programas de televisión y libros. Hasta la fecha, Erwitt es autor de 18 monografías y sigue trabajando en nuevos títulos.
Comentario Personal:
Erwitt me pareció de lo mas interesante por el uso tan frecuente del racismo como tema y por la fotma tan sencilla en que ejecuta la fotografia, termina siendo muy calida y sensilla, "en el instante" diria yo. No habría mejor forma para describirla.
Incluso muestra su lado dramatico y comico, muy versatilmente, y como decia con una sencillez increible, pero sobre todo lo mas importante es que nunca pierde importancia y termina siendo muy educativo y con alto valor y fuerza.
Joel-Peter Witkin
Sus fotos suelen involucrar temas y cosas tales como muerte, sexo, cadáveres y personas marginales como enanos, transexuales, hermafroditas o gente con deformaciones físicas. La naturaleza transgresora de su arte ha consternado a la opinión pública en repetidas ocasiones y ha provocado que lo acusen de explotador y que haya sido marginalizado como artista en diversas ocasiones.
Su acercamiento al proceso físico de la fotografía es altamente intuitivo que incluye manchar o rayar el negativo y una técnica de impresión con las manos en los químicos. Esta experimentación comenzó luego de ver un ambrotipo del siglo XIX de una mujer y su amante quien había sido arrancado.
Me parece que la fotografía de Witkin juega un papel muy importante y fuerte, nos muestra el lado visceral del mundo, el morbo del ser humano, así como el sufrimiento físico y emocional; lo interesante de su obra es la forma de plasmar las emociones, la manera en la que le da vida a un cuerpo muerto para convertirlo en una obra de arte que perdurará hasta el fin del tiempo, te desconcierta, pero al mismo tiempo te enseña a buscar mas allá, a intentar resaltar lo especial de las cosas.
Crea una emoción, además del miedo, un sentimiento que te desgarra poco a poco, como si cada una de las incisiones de los cuerpos con los que juega estuviera en el tuyo.
Me encanta la forma en la que juega con la imagen, como enmarca utilizando las técnicas para modificar los fondos..
Eugène Atget
Atget no tenía medio de locomoción alguno y para visitar a sus clientes caminaba con su pesada cámara a cuestas. Era un peatón muy observador, además de un excelente fotógrafo.
domingo, 23 de noviembre de 2008
¿Cómo tomar una foto a la luna?
Para tomar fotos de la luna llena usted solo necesita una velocidad de obturación de 1/250s en ISO 100. Si la luna esta en cuarto creciente o menguante necesitara una exposición un poco mas larga.
Control remoto de su cámara o Disparo con cuenta regresiva
Bloqueo del Espejo (Si tiene una DSLR)
Paciencia
Tipos de camaras
CÁMARA DE VISOR DIRECTO:
sábado, 22 de noviembre de 2008
CAMARA RELEX
1. Objetivo frontal
El agujero de la cámara oscura fue considerado como el primer objetivo ya que permitía hacer pasar por él la luz proveniente de una escena exterior y proyectarla sobre las paredes interiores o sobre un lienzo (ver cámara estenopeica). Con el tiempo este agujero fue sustituido inicialmente por una lente esférica que concentraba una mayor cantidad de rayos en un mismo punto, y más adelante por un sistema de lentes que corregía las aberraciones ópticas.
Diafragma: El diafragma es un dispositivo que regula la abertura de un sistema óptico. Suele ser un disco o sistema de aletas dispuesto en el objetivo de una cámara de forma tal que restringe el paso de la luz, generalmente de forma ajustable. Las progresivas variaciones de abertura del diafragma se especifican mediante el número f, que es la relación entre la longitud focal y el diámetro de abertura efectivo.
Obturador de plano focal : En fotografía el obturador es el dispositivo que controla el tiempo durante el que llega la luz al elemento sensible (película o sensor). Junto con la abertura del diafragma, la velocidad de obturación es el principal dispositivo para controlar la cantidad de luz que llega al elemento fotosensible.
Película: La película fotográfica es una emulsión que contiene una sustancia sensible a la luz como el nitrato de plata sobre una capa plástica. Las más modernas capas fotosensibles son de sales de plata con un tamaño variable del cristal que afecta a la sensibilidad de la película. Cuando esta emulsión es sometida a una exposición controlada de luz o rayos X la imagen queda grabada en la película. Para obtener una imagen final, inalterable en futuras exposiciones a la luz -una fotografía- se le aplican a la película una serie de procesos químicos, en un proceso llamado revelado fotográfico.
La fotografía en blanco y negro usa una sola capa de plata, mientras que las películas en color usan tres capas.
miércoles, 8 de octubre de 2008
La vanguardia en manos de Ivan Aguirre
miércoles, 1 de octubre de 2008
La esteroscopía
Cuando la pareja de diapositivas obtenida se observa con un visor adecuado que presente la imagen izquierda al ojo izquierdo y la derecha al derecho, se reproduce el efecto de la visión binocular. Un divisor de haz permite también la proyección estereoscópica.
Fuente:http://www.fotonostra.com/
Cromatica
El color es una sensación que es percibida por los órganos visuales; está producida por los rayos luminosos y depende de su longitud de onda y de las características del órgano receptor.
Es un fenómeno físico-químico asociado a las infinitas combinaciones de la luz, relacionado con las diferentes longitudes de onda en la zona visible del espectro electromagnético, que perciben las personas y animales a través de los órganos de la visión, como una sensación que nos permite diferenciar los objetos con mayor precisión.
Gracias a Newton (1642-1727) sabemos que la luz blanca al descomponerse origina los siete colores del espectro visible: rojo, anaranjado, amarillo, verde, azul cian, azul y violeta. La suma de todos los colores del espectro luminoso recompone la luz blanca.
verde + violeta = azul cian
violeta + rojo = rojo magenta
verde + rojo = amarillo
Los colores se dividen en 4 categorías:
Atributos Del Color
Todos los matices o colores que percibimos poseen 3 atributos básicos:
Matiz: También llamado por algunos: "croma", es el color en sí mismo, es el atributo que nos permite diferenciar a un color de otro, por lo cual podemos designar cuando un matiz es verde, violeta o anaranjado.
Luminosidad: "valor", es la intensidad lumínica de un color (claridad / oscuridad). Es la mayor o menor cercanía al blanco o al negro de un color determinado. A menudo damos el nombre de rojo claro a aquel matiz de rojo cercano al blanco, o de rojo oscuro cuando el rojo se acerca al negro.
Saturación: Es, básicamente, pureza de un color, la concentración de gris que contiene un color en un momento determinado. Cuanto más alto es el porcentaje de gris presente en un color, menor será la saturación o pureza de éste y por ende se verá como si el color estuviera sucio u opaco; en cambio, cuando un color se nos presenta lo más puro posible (con la menor cantidad de gris presente) mayor será su saturación.
Clasificación moderna de los colores
Actualmente los colores considerados "primarios" han sido depurados por el uso en las artes graficas y son considerados como tales el amarillo, el cian y el magenta. Por ejemplo:
ocre + magenta = rojo
ocre + azul ultramar = verde
azul ultramar + tierra siena tostada = violeta
Circulo cromático
Se denomina círculo cromático al resultante de distribuir alrededor de un círculo los colores que conforman el segmento de la luz visible del espectro solar, manteniendo el orden correlativo: tierra siena tostada, anaranjado, ocre, verde, azul ultramar y violeta.
lunes, 29 de septiembre de 2008
domingo, 21 de septiembre de 2008
La Fotografía
*Desarrolla la imaginación
*Va marcando épocas
*Álbum de vida
*Ayuda a conocer el mundo
*Representación de textos
*Resguarda la experiencia vivida
*Inverosímil
*Convierte al mundo en portátil e ilustrado
*Concepción de nuevas ideas
*Potencialmente informativo
*Vehículo de información
*Instrumento de poder político.
Problemática en lo visual
*Difícil de interpretar
*Se le resta importancia
*Diferentes significados
*Diferentes gustos.
"Unicornio;Unicorne; Unicornio; Unicorn; "
Animal fabuloso de figura de caballo y con un cuerno recto en medio de la frente. Rinoceronte-Marfil fósil de mastodonte, que creyeron los antiguos proceden del Unicornio-Marino. Narval."
El unicornio es una criatura mitológica representada habitualmente como un caballo blanco, con patas de antílope, barba de chivo, y un cuerno en su frente. El unicornio es un animal fabuloso protagonista de numerosas historias y leyendas.
En la Edad Media estaba considerado como un animal maravilloso capaz de derrotar a un elefante. Además, se decía que con su único cuerno se podían purificar las aguas contaminadas para volverlas potables. Esta historia desplaza a lo humano, para recrear las vivencias mitológicas mas maravillosas.
miércoles, 17 de septiembre de 2008
La camara oscura y el unicornio
Carlos Jurado, fotógrafo y pintor, utiliza tal técnica (también conocida como fotografía pinhole) la cual, según lo que dice, obtiene mejores resultado, al mismo tiempo que le permite experimentar, de forma que su trabajo siempre tiene un toque especial, sin dejar de lado los beneficios del avance fotográfico.
Mas sin embargo, Jurado sigue encontrando y retratando el lado mágico de la fotografía, manteniéndose como un simple aprendiz más, un simple maguito.
La cámara oscura y el unicornio
La fotografía, también conocida como el "arte de la aprehensión de imágenes", inició siglos atrás, gracias a los magos y alquimistas, quienes crearon la cámara oscura, hallazgo atribuido a Leonardo da Vinci quien utilizaba la caja como un auxiliar a de dibujo. Después de esto, Battista della Porta le añadió un lente, el cual le brindaría claridad, pero no fue hasta 1822 que Niepce tomó la primera fotografía.
Pero no todo quedó en la ciencia, sino que también en las fantasías de las leyendas humanas.
El Unicornio
En el año de 1913, se celebró en Budapest un Congreso Internacional de Zoólogos. El representante de Rumania, Dr. Roman Landescu, fue entrevistado acerca del Unicornio por Jonas Spaulding, corresponsal de la revista norteamericana Golden Bird.
Dr. Landescu hablaba de la existencia de unicornios, de cómo este animal tan fantástico pudo haber existido y extinguido y de cómo al momento de su muerte, el cuerno se descompuso hasta desaparecer. Lo que no deja rastro de su existencia. De forma que los restos de caballos, podrían haber sido esqueletos de unicornios.
Este doctor, pensaba que el unicornio había sido obra de una cruza entre dos animales, los cuales pudieron haber descontinuado su reproducción y haber desaparecido, lo cual creó la muerte y desaparición del tercero.
Esto hace pensar al hombre que la existencia del unicornio pudo haber sido verídica, mas con el tiempo y su desaparición dejamos de ver esto como un hecho y pasó a ser un mito.
El arte de aprehender imágenes
Desde el siglo IV, magos y alquimistas estudiaron los efectos de la luz y las imágenes, lo cual los llevó a la creación de la tan aclamada “caja mágica” de Merlin, quien decía que "El ojo de la caja mágica deberá ser perforado con un cuerno de Unicornio. De no ser así, la caja resultará por completo inefectiva."
Así, Merlín fue el iniciador de aquella creencia (que perduró hasta el siglo XI) lo que indirectamente, responsable de su extinción.
Otros magos y alquimistas como y Tzung Ching Pung y Adojuhr hicieron alusión a el uso del cuerno del unicornio para la creación de lo que ahora conocemos como cámara fotográfica.
"Se toma un cuerno de Unicornio, se aguza finamente por la punta, y con él se practica un pequeño orificio sobre cualquier superficie refulgente. Por este orificio podrán hacerse pasar, comprimiendo su esencia, toda clase de personas, objetos y lugares, mismos que deberán ser guardados cuidadosamente en una caja de cartón donde permanecerán por la eternidad, para ser sacados cuando alguien los necesite." – afirmaba Adojuhr.
miércoles, 10 de septiembre de 2008
FotoSeptiembre un deleite al paladar
Actividad 1.
La fotografía que más llamo mi atención.
La fotografía que elegí como mi favorita fue una de la serie “every Word is a place”, en ella mostraban el cuello de una persona con un collar plateado que tenia la inscripción “love”, esta fue mi favorita por el hecho de su sencillez y simbolismo.
Principalmente me identifique con la imagen por que la persona que viste el collar lleva en el pecho, cerca del corazón un mensaje de amor y paz, una insignia, una idea ante la vida, su escudo de protección y su prerrogativa y forma de ver el mundo, siento que aunque tan vez, la palabra que me describa sea “love” al igual que la o el modelo llevo conmigo mis ideas, mis sueños y las cosas que me importan.
La imagen me transporta a viejas vivencias, hacia el viejo u nuevo significado de la palabra “amor”, la cual ha cambiado con el paso del tiempo, a pequeñas escenas de películas que han marcado mi vida e incluso a un par de sueños y anhelos. Lo delicioso de esta fotografía es que produce en mi miles de sentimientos, como el dolor y la tristeza, pero también reproduce el holograma de cientos de mariposas revoloteando en mi estomago y el recuerdo de amigos viejos y recientes.
Si hablamos sobre la imagen en sí, podemos ver la sencillez del autor, el gusto por las imágenes fáciles que nos transportan a un mundo completamente diferente, la iluminación y los efectos son tan sencillos como la misma fotografía. Me parece que el autor la tomó con la intención de demostrar la importancia que los seres humanos le dan al amor y a la demostración de afecto.
Actividad 2.
La fotografía que menos llamo mi atención.
Ahora bien, la fotografía que menos me agradó o llamó mi atención, fue una en donde se encontraban artefactos como una banca y un par de piedras unidas por una especie de hilo. Me pareció que la imagen era un poco abstracta y poco significativa, desde mi punto de vista claro está, me pareció incluso un poco aburrida y desabrida, no me trasmitió nada, ni gota de sentimientos.
Creo que lo que al autor quiso retratar fue la unión de las cosas por medio de hilos que incluso pueden ser invisibles, me hace pensar en mis momentos fuera de casa, vagando por la ciudad, caminando ya sea acompañada o solitaria, aunque aun así me pregunto qué fue lo que le hizo al autor tomar esa fotografía.
Me parece que está basado en el lado natural y conmemorativo de la cuidad, las partes de nuestra ciudad capital que representan perfectamente al hermosillense, pero sigo sin sentir ni pensar nada a fondo. Me parece vacio y sin chiste y no tiene impacto sobre mi ni mis sentimientos. Solo la duda.
Parece una imagen sencilla, natural, tan solo alterada por el hilo que rodea la banca y los demás artefactos, luce natural y de colores contrastantes.